miércoles, agosto 29, 2007

Recargando lo contemporáneo. Simposio en México

Como varios saben salgo de viaje de nuevo. En menos de 3 horas ya estaré en el avión rumbo a México para participar del Simposio Recargando lo contemporáneo: Estrategias curatoriales de recuperación del arte reciente, el 10 y 11 de setiembre en el marco de la exposición La era de la discrepancia, sobre la cual el curador Cuauhtémoc Medina estuvo hace tan solo dos semanas hablando en Lima.

El Simposio en verdad se ve realmente bien. Como espectador estaría encantado de ir y oír las experiencias de cada invitado con respecto a su trabajo de recuperación de memoria e historia sobre los años 60s/70s, pero ya ir como ponente arrastra una responsabilidad y al mismo tiempo un bonito riesgo: poner en total abismo las propias ideas involucradas en nuestro trabajo curatorial y someterlo a pública discusión. He tomado la invitación como una manera simpática de exhibir las fisuras y costuras que nuestro proyecto presenta, desde preguntas e inquietudes aún no resueltas, hasta las apuestas que uno decide correr como curador y aquellas otras ante las cuales uno ha retrocedido. La presentación del proyecto curatorial La persistencia de lo efímero intentará así no solo mostrar el decurso fragmentado de las experiencias desmaterializadas en los 60s/70s peruano, sino ver como aquellas experiencias fueron trasladas a un espacio expositivo. ¿Qué estrategias parecía entonces necesarias para reposicionar aquellas experiencias sin traicionar su radical condición efímera? ¿Era acaso posible restituir materialmente aquella marginalidad sin correr el riesgo de cosificarla?
Salgo volando al aeropuerto pero dejo aquí el programa total, que hasta hace un par de semanas era el programado para el Simposio. El título al cual se alude en cada caso tiene que ver con la exposición/investigación referida y no es necesariamente el título de la conferencia. Ya estaré dando más notas sobre nuestra ponencia pronto. Y si ocurre algún cambio de último también lo haré saber. Aquí más info.
Intentaré seguir actualizando de forma continua desde México, pero mientras tanto creo que nuestro querido Raimond se queda al mando de la nave. Suerte!
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--He eliminado el programa porque creo que tiene cambios, apenas tengo el programa final lo vuelvo a colgar. saludos desde mexico--

Concretismo y Neoconcretismo: 50 años después. Coloquio.

The Museum of Fine Arts, Houston

Concretismo and Neoconcretismo: Fifty Years Later.
A two-day international colloquium

SAVE THE DATE
September 13-14, 2007
9:30am - 6pm

Place:The Museum of Fine Arts, Houston
American General Special Events Room
Mezzanine levelThe Audrey Jones Beck Building

General Information:For information the public may call 713-639-7308
http://www.mfah.org

On the occasion of the recent acquisition of The Adolpho Leirner Collection of Brazilian Constructive Art by the MFAH, Concretismo and Neoconcretismo: Fifty Years Later assesses the state of research on the avant-garde artists and groups that constituted this critical chapter of post-War art in Brazil. The art world’s discovery of Lygia Clark and Hélio Oiticica in the 1990s has led to a greater interest and exploration of less well-known artists and movements that have shaped this historic period. In addition, there has been an increased urgency for more critical research on this important period of Brazilian avant-garde art.

Bringing together a distinguished group artists, critics, and scholars, Concretismo and Neoconcretismo seeks to generate updated frameworks and new lines of investigation for the interpretation of these interrelated tendencies. The starting point for this historiographic revision will be the testimonies presented by some of the earliest participants of these groups as well as by the critics who first identified their contributions in relation to both the Latin American avant-garde and international modes of abstraction.

This international colloquium is presented in conjunction with the exhibition Dimensions of Constructive Art in Brazil: The Adolpho Leirner Collection, on view at the MFAH through Sunday, September 23, 2007, that gathers together more than a hundred artworks.

Colloquium Chairs:
Ana María Belluzzo, Universidade de São Paulo and FAPESP, São Paulo
Mari Carmen Ramírez, the Wortham Curator of Latin American Art and Director, International Center for the Arts of the Americas at the MFAH

Participants:
Francisco Alambert, Universidade de São Paulo
Aracy Amaral, independent scholar and curator, São Paulo
Yve-Alain Bois, Institute for Advanced Studies, Princeton University, New Jersey
Ronaldo Brito, Pontifícia Universidade Católica do Rio de Janeiro
Paulo Sérgio Duarte, Universidade Cândido Mendes, Rio de Janeiro
María Amalia García, Universidad de Buenos Aires/CONICET
Héctor Olea, writer and ICAA Publications and Translations Editor, Houston
Luiz Camilo Osório, Pontifícia Universidade Católica do Rio de Janeiro
Ann Reynolds, The University of Texas at Austin
Nicolau Sevcenko, Universidade de São Paulo and Harvard University
Paulo Venâncio Filho, Universidade Federal do Rio de Janeiro
Alexander Wollner, artist and graphic designer, São Paulo

The presentations will be delivered in English, Portuguese or Spanish. Simultaneous translation will be available.Reserved seating only, registration is required. For more information, reservations, and travel information, please contact Sonia Montoya at 713-639-7308, or by e-mail at smontoya@mfah.org.

Concretismo and Neoconcretismo: Fifty Years Later is organized by The International Center for the Arts of the Americas (ICAA) at the Museum of Fine Arts, Houston and Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo (FAPESP), Brazil.

Concretismo and Neoconcretismo receives generous funding from Fulbright & Jaworski L.L.P.Dean of Humanities, Rice University

The exhibition Dimensions of Constructive Art in Brazil: The Adolpho Leirner Collection is organized by the MFAH. Generous support is provided by Mr. Samuel F. Gorman and Macy's.

Courtesy Photo: Maurício Nogueira Lima, Objeto rítmico no 2 (segunda versão) [Rhythmic Object (second version)], 1953, the Adolpho Leirner Collection of Brazilian Constructive Art, The Museum of Fine Arts, Houston, museum purchase with funds provided by the Caroline Weiss Law Accessions Endowment Fund. Copyright: Maurício Nogueira Lima

martes, agosto 28, 2007

Fiat lux en galería 80m2

Desde el miércoles 22 de agosto se viene exhibiendo Fiat Lux. La creación según Malet & Valdez en la galería 80m2 arte&debates. Esta exposición es parte del proyecto A Imagen & Semejanza. El próximo miércoles 5 de setiembre se presentará en la galería el catálogo en el marco de un conversatorio sobre el proyecto.

lunes, agosto 27, 2007

Arte y Catástrofe - Conversatorio

El historiador y curador Gustavo Buntinx anuncia en su blog el conversatorio sobre 'Arte y Catástrofe' el próximo miércoles 29 de agosto, a las 7:00 p.m., en el marco de la exposición Parábolas de Naguib Ciurlizza. Copío integramente la información y nota de prensa.
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ARTE Y CATÁSTROFE


La contaminación, la deforestación, la depredación del planeta, la corrupción que hace todo ello posible, desplazan a la Tierra hacia una condición terminal. E imponen nuevos imperativos –éticos tanto como estéticos– a cualquier concepto crítico del arte como imagen y como praxis. Otra grave lección del cataclismo reciente, cuyas consecuencias finales están aún por determinar. Sobre este cargado dilema el próximo míercoles 29 de agosto se realizará en la Galería Pancho Fierro de la Municipalidad Metropolitana de Lima un conversatorio especial, enmarcado por la exposición de Naguib Ciurlizza, cuyas advertencias pictóricas han sido demasiado proféticas.


ARTE Y CATÁSTROFE: LOS DILEMAS DE LA CULTURA EN LA LUCHA POR EL PLANETA

Conversatorio con la participación de: Gustavo Buntinx, Naguib Ciurlizza, Christians Luna, Carmen Reátegui, Miguel Zegarra

Miércoles 29 de agosto, 7:00 PM
Galería Pancho Fierro
Municipalidad Metropolitana de Lima

Ante la inmensidad de la tragedia se erigen retos nuevos para el arte, para la cultura, para la reflexión misma. Desde esa convicción se realizará este miércoles 29 de agosto, a las 7 de la noche, un conversatorio singular: “Arte y catástrofe” es el título principal de la convocatoria, recordándonos que en su sentido etimológico esa última palabra remite en griego a la noción telúrica de una “vuelta hacia abajo”: una revuelta de fuerzas primordiales vinculadas en el lenguaje artístico a un trastorno o desenlace dramático. Como el que ahora específicamente enfrenta el Perú, pero en términos más generales también el planeta entero, agobiado por los excesos y las depredaciones de una humanidad que traiciona el mandato natural del respeto a la naturaleza.

Las consecuencias adquieren ya dimensiones impresionantes, replanteando de manera radical todo quehacer, cualquier noción de praxis. “Los dilemas de la cultura en la lucha por la vida” es, así, el subtítulo de este primer encuentro reflexivo, que se realiza en el contexto de una exposición desconcertante, imprevistamente inaugurada la noche misma del terremoto del 15 de agosto (el azar no existe): Parábolas, de Naguib Ciurlizza, sugiere desde las apariencias de un lenguaje infantil una poderosa introspección moral y ecológica sobre nuestra Tierra en agonía –es decir, en lucha a muerte con la muerte misma.

Al testimonio del pintor se le sumarán en la mesa del miércoles las inquietudes de dos curadores, Gustavo Buntinx y Miguel Zegarra, así como el aporte de otros dos artistas de obra incisiva sobre el tema: Carmen Reátegui, autora del impresionante árbol invertido que ha recorrido algunas de las más importantes exposiciones de la ciudad, y Christians Luna, cuyo compromiso se manifiesta en significativas creaciones relacionadas a la condición terminal de nuestra materia primordial: el agua.

El ingreso es libre y las intervenciones de los asistentes serán bienvenidas. La exposición de Naguib Ciurlizza cierra el domingo 2 de setiembre.

domingo, agosto 26, 2007

Geografía del doble

Desde el 6 de julio y hasta el 1 de octubre se viene presentando en el MARCO, Museo de Arte Contemporánea de Vigo, la exposición DOPPELGÄNGER. El doble de la realidad, curada por la mexicana Montserrat Albores. Albores ha reunido un conjunto destacado de artistas como Francus Alys, Ady Carrión, Pierre Huyghe, Pablo Sigg, Javier Téllez, Kerry Tribe, Luc Tuymans, Elin Wirkstrom y el artista peruano José Carlos Martinat. El pdf de la exposición pueden conseguirlo haciendo click aquí. Reproduzco además la nota de José Luis Estévez aparecida ayer en el suplemento Babelia del diario español El País.
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Geografía del doble
por: José Luis Estévez


¿Todos tenemos un doble? Una exposición en Vigo plantea a ocho artistas su interpretación plástica del Doppelgänger, concepto alemán del doble fantasmagórico. Sólo que estos creadores llevan esa idea al terreno de los actos, los mitos, la ficción o el tiempo.

La figura del doble es un tema clásico del arte y la literatura, pero en esta ocasión la comisaria mexicana Montserrat Albores realiza un planteamiento muy original que va más allá de la habitual sucesión de tópicos sobre la existencia o inexistencia del otro yo. Ocho creadores se inspiran en las múltiples aristas del concepto del doble para presentar otras tantas piezas que plantean un auténtico debate filosófico sobre cuestiones tan etéreas como la verdadera naturaleza del tiempo o la identificación entre pensamiento y realidad.

El título de la exposición, Doppelgänger, es la palabra que se usa en alemán para designar al doble fantasmagórico de una persona viva. Los artistas que participan en la misma presentan distintas alternativas para reproducir eventos preexistentes. La tesis de fondo que subyace en el punto de partida de la muestra es que cualquier acto humano ya ha sido realizado con anterioridad, de forma que la vida no sería más que la repetición sin interrupciones de gestos ya realizados por otros. De ahí que las piezas exhibidas aludan a la conexión, más o menos sutiles, entre acontecimientos separados por periodos de tiempo cortos o largos.

Así, el joven artista peruano José Carlos Martinat plantea la supervivencia de los mitos del pasado con una reproducción a gran escala de la cabeza de un dios inca decapitado (Inkarri) por los conquistadores españoles, que parece resucitar y obsequiar a quien lo contempla con pequeños pedazos de papel que escupen tres impresoras en los que aparecen escritos textos recogidos de internet sobre esta figura mítica. Es el propio espectador con su presencia física el que activa el mecanismo que ponen en marcha las impresoras que coronan la gran figura del inca.

También se ocupa de los mitos el artista venezolano Javier Téllez que en su vídeo Oedipus Marshal desplaza la obra de Sófocles a un pueblo fantasma ubicado en las afueras de Aspen (Estados Unidos) y rueda con actores procedentes de un centro de salud mental. La confusión entre realidad y ficción así como entre actores y espectadores son algunas de las cuestiones que interesan al artista.

La pieza con un contenido más poético es la realizada por la mexicana Ady Carrión, que ahonda en los cambios que produce en la naturaleza el paso del tiempo con una instalación en la que dos vídeos registran el aspecto de un nogal en dos periodos distintos del año. Las proyecciones acaban encontrándose en un muro donde coinciden en el mismo plano y suman sus registros. Por su parte, Francis Alÿs, artista de origen belga que trabaja en México, investiga sobre las relaciones entre realidad y ficción al repetir la grabación de un vídeo en el que una persona sale a recorrer las calles de Ciudad de México con una pistola simulada en la mano. En este caso el hecho real y su repetición son prácticamente idénticos, ambos se convierten en inseparables ya que uno se refiere al otro y viceversa.

[foto: José Carlos Martinat]

El lado oscuro del corazón - Entrevista a Haroldo Higa

Hoy el suplemento Luces del diario El Comercio publica una entevista de Enrique Planas al escultor Haroldo Higa en relación a la nueva individual del artista que, desde el miércoles próximo, estará presentándose en la galería Vértice.
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ENTREVISTA. Haroldo Higa
El lado oscuro del corazón

Por Enrique Planas


EL AMOR, COSA TAN RARA: UNO DE LOS MÁS COMPLEJOS ESCULTORES PERUANOS NOS OFRECE UNA APASIONADA MUESTRA EN CLAVE POP. EN LA GALERÍA VÉRTICE, "LOVE" NOS DESCUBRE DISTINTOS ASPECTOS DE LA RELACIÓN DE PAREJA

Su muestra se titula "Love". Así de simple. Sin embargo, en las esculturas de Haroldo Higa (Lima, 1969) nada es lo que parece. Desde que a mediados de los noventa el artista sorprendiera con sus lúdicas y estridentes esculturas en madera, su producción se ha caracterizado por descubrir su yo interno, su mundo fantástico, perversamente infantil. Hoy, el escultor cambia de registro, atreviéndose a encarar el amor como concepto.

"Es una exposición colectiva de mí mismo", advierte Higa. ¿Qué quiere decir? Pues que en cada obra ha querido reflexionar sobre el amor saltando a puntos de vista completamente distintos, intentando no repetir, formalmente, ninguna de sus obras. "Creo que sería un error repetir una forma o una técnica en una muestra como esta. He querido hacer un abanico, buscar todos los matices del tema".

A partir del miércoles, al entrar a la galería Vértice de San Isidro, el espectador se sorprenderá al encontrar, a la entrada, un corazón convertido en la esfera de espejos que cuelga de toda discoteca. Gran metáfora del enamoramiento, espejitos brillantes que reflejan la ilusión, la fantasía, lo que solo existe mientras dura el entusiasmo y la música no se detiene. Así, desde la frivolidad, lo banal, lo efímero, Higa encuentra significados que nos asombran por su profundidad. Esculturas cuya densa y terrible verdad aparece desde lo que, a primera vista, no muestra mayor pretensión.

En "Love", podríamos hablar del triunfo del arte pop. Le sacas la vuelta a un tema como el amor, tan manido que pareciera haber perdido su sentido...
Eso es lo bacán. Cuando comencé a reflexionar antes de iniciar el trabajo, partí de la pregunta: ¿Qué es el amor y cómo es? Me pareció tan fácil resolverla, creí a priori que la respuesta sería inmediata. Sin embargo, no encontraba una respuesta reduccionista acerca de algo tan grande y profundo. Por otro lado, hablando del pop, este año hemos tenido en Lima una sucesión de propuestas de este estilo enorme. Y los fanáticos dirán con esta muestra: "¡El pop no ha muerto!". Creo que todo se recicla.

¿Es una búsqueda consciente buscar siempre salir con algo distinto en cada muestra tuya?
No es una pretensión de querer destacar frente al resto. Es una actitud frente a la obra de arte. Desde hace años, la idea del "estilo artístico", es algo que no quiero usar ni siquiera en las conversaciones con los amigos. Creo que el estilo, en vez de ser una marca distintiva, es un traje carcelario. El estilo, en vez de definirte, termina matándote. En vez de pensar en tener seguridad, uno debería preocuparse por no repetirse constantemente. Creo que el proceso creativo debe ser la posibilidad libre de poder observar y decir qué es lo que estoy haciendo y cómo puedo seguir buscando mejores herramientas y ampliar más las posibilidades creativas, formales.

Siempre se acusa a las galerías y al sistema de comercialización del arte de obligar al artista a mantenerse en un estilo. ¿Pero cuán responsables no son también los amigos? ¿No terminas trabajando para ellos?
Totalmente. Al final, toda obra se consume, es un producto que se oferta y crea una demanda. Creo que, en algún momento de mi corta vida profesional, he sentido que tanto a los galeristas como a los amigos les interesa que te aferres a un estilo. Creo que uno siempre tiene el espíritu de nadar a contracorriente, creer que es posible otra cosa para no encasillarte. Es una manera de revelarme. Pero sí, el entorno siempre te pide mostrar una sola faceta.

Nunca tus trabajos han tenido una sola cara. Cada pieza tiene una dualidad, incluso contradictoria. En tus juguetes, por ejemplo, una primera mirada nos hacen pensar en el recuerdo infantil y la nostalgia, pero siempre hay marcas que contradicen esa pureza. Ahora muestras brazos de muñecas que al inicio generan ternura pero cuyas cicatrices resultan perturbadoras.
Es una característica que se reitera en mi trabajo. Siempre he creído en una segunda mirada más allá de la superficial, del efecto inmediato. Me gusta jugar con esa segunda mirada que busca exigir al espectador, hacerlo descubrir lo que uno ha querido decir en un detalle. En esa obra, "Cicatrices de muñeca", se trata de un momento de la exploración del amor de la muestra. Para ser un conocedor del amor, para dar testimonio de un amor maduro, debo saber qué es lo que debe pasar en mí. Y por ello debo tener las huellas de ese proceso de crecimiento. ¿Y cuáles son ellas? Pues las que uno se inflige. Son heridas que deben cicatrizar, pues siempre hay una posibilidad de sanación. Yo no conozco las estadísticas de muerte por cortarse las muñecas, pero con ello pretendo decir que, en ese juego, la cicatriz nos dice que queremos morir por algo. En este caso, "cortarse las muñecas" es una muestra de cómo me gusta mucho construir no solo con formas y color, sino también con palabras. Intento manejar el sentido contradictorio de las palabras como un potencial.

¿Analizar el amor es también una forma de matar la inocencia?
Claro. Una mirada rápida de la muestra podría decir que habla del amor de pareja. Creo que el amor maduro, ideal, es una suerte de alivio para escapar de la soledad y sentirnos parte del otro, sin perder nuestra individualidad. Pero hay otra clase de amor, que tiene que ver con las patologías neuróticas del amor, relaciones conflictivas, donde uno muestra todos sus problemas que no han sido resueltos. Esa clase de amor resulta una forma obsesiva de paliar la ausencia y la soledad. La gran búsqueda obsesiva del amor es, en el fondo, una búsqueda por resolver un problema de soledad.

¿Con una muestra como esta, cómo se podría definir tu obra? ¿Escultura o instalación?
Hoy, que está de moda llamarse artista visual, yo siempre digo que, formalmente, soy un artista plástico. Esa es mi formación. Y sí, me considero un escultor. Un escultor que cree en nuevas posibilidades escultóricas, que deja de lado los materiales tradicionales. Creo que existen posibilidades comunicativas en los materiales que el mundo moderno nos ofrece, en los materiales perecibles. Lo importante es sacar ese gran peso académico, que el artista sepa aprovechar lo que está allí, a la mano. Lo que ahora digo ya se ha dicho hace ochenta años, cuando los primeros cubistas hacían collages con papel periódico recortado. Pero aquí todavía sentimos un poco de miedo de seguir ese camino. Sin embargo, creo que los artistas más jóvenes ya tienen esa vocación.

A ti sí te fue muy difícil convencer sobre eso a tus maestros de la Universidad Católica...
Sí, fue algo muy difícil. Ahora soy profesor de la Católica, aunque no estoy en el Departamento de Escultura. Me siento muy cómodo en los cursos que me han invitado a participar. Percibo que siempre hay miedo al cambio, y lo entiendo. Yo también lo tuve cuando empecé a cambiar en mi obra. Es un sentimiento muy natural. Pero para darnos cuenta de que las cosas están cambiando hay que ver un poquito las cosas desde fuera.

Uno de esos lugares donde viste "las cosas desde fuera" fue el Japón. Esa experiencia marcó tu trabajo?
La experiencia en Japón me enriqueció y empobreció a la vez...

¿Cómo así?
Ser nikkéi es ser doblemente pobre y doblemente rico. Llevas lo bueno y lo malo de ser japonés y ser peruano a la vez. Cuando llegué a Japón descubrí toda la información que recordó las historias y vivencias de mis abuelos de Okinawa. Allí me di cuenta de que no era okinawense ni tampoco completamente peruano. Sé qué significa tener esos dos polos. Quizás algo de eso tiene esta muestra, mostrar lo bueno y lo malo que hay en uno mismo.

¿Y esta locura pop que vive Japón influyó en tu trabajo?
El resurgimiento del arte pop en Japón con un movimiento como Superflat, liderado por Takashi Murakami, muestra cómo Japón está viviendo en el arte un momento muy importante. Es algo parecido a lo que sucedió en Estados Unidos cuando apareció Jacson Pollock, el primer artista estadounidense de éxito. Recién hoy Japón cree que tiene su propio arte pop, genuino,nacido de la cultura del manga y de la cultura de masas. Es la televisión nipona la que ha hecho el arte pop. A partir de eso, están haciendo una pintura muy plana, y toda una juguetelandia escultórica. Pero Japón tiene también una parte muy tradicional y académica que no es tan interesante.

¿Al final del trabajo, "Love" te ha cambiado en algo? ¿Ha respondido tus preguntas?
Empecé preguntándome qué es y cómo es el amor. Y terminé con la misma pregunta, casi sin poder resolverla. La primeras reflexiones sobre esta muestra comenzaron hace dos años y el desarrollo formal hace año y medio. En realidad, si yo tuviera dos años más para seguir trabajando, quizás haría otras 20 obras más, buscando los matices del amor.

[foto: Sebastián Castañeda]

sábado, agosto 25, 2007

Museo Travesti y "Dossier La Pastora"

Desde que en agosto de 2006 la revista Domingo del diario La República publicó un artículo sobre el Museo Travesti de Giuseppe Campuzano no habíamos vuelto a tener noticias de esta importante e interesante iniciativa de nuestro colega. En días pasados varios miembros de la Culpable tuvimos el gusto de compartir un rato con él y nos hizo saber que el documento que durante largo tiempo ha estado preparando y que presenta una investigación necesaria y que pinta apasionante sobre el travestismo en el Perú pronto verá la luz en forma de libro. Una publicación con una vida azarosa y demorada pues el volumen de información recopilado y las opiniones de amigos y especialistas le han llevado a reescribir un documento que esperamos con impaciencia. Mantendremos informados.

Giucamp como Toña La Negra acompañada de Los Pakines, Lima 2002

Este encuentro me hizo recordar que hace unas semanas el artista valenciano Xavier Arenós me hizo llegar información sobre el "Dossier La Pastora", trabajo que presentó en la exposición Anamnesis en la reciente Bienal de Valencia. "Dossier La Pastora" es un trabajo de documentación "en el que se recrean, mediante textos, recortes de periódico, fotografías y una pequeña instalación, la vida de La Pastora, un hermafrodita a quien su padre inscribió como mujer para librarlo del servicio militar en tiempos de revueltas sociales y que acabó en los montes asumiendo su hombría, convertido en maqui (guerrillero antifranquista en la España posterior a la guerra civil 1936-1939) y protagonista de una oscura leyenda en la que se le atribuyen una larga lista de asesinatos de guardias civiles."

Travestis, hermafroditas, drags y otros "viajeros del género" cuestionando límites y convenciones.




El Basilisco presenta: Seth Wulsin y Chih-Chien Wang

El Basilisco presenta a los artistas en residencia entre junio y agosto de 2007:
SETH WULSIN
CHIH-CHIEN WANG


Inauguración sábado 25 de agosto a partir de las 19hs
+ fiesta en el Bar Silisco
con djs Villa Diamante
Chancha Via Circuito

Dirección:
Charlone 933
Avellaneda, Buenos Aires
cómo llegar
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Seth Wulsin
"Denhuo Tongming, Mr. Firstone, Chang "el pulpo" Yu, y los demás les invitan a Pozos, Tumbas, Horcas -- espacios internos, direcciones temporales -- que venga el viento, carajo! Paso uno: incubación. Trabajo en proceso

Seth Wulsin nació sobre un sofá blanco en Spring Valley, Nueva York. Se graduó de la escuela Green Meadow Waldorf en el año 2000. Después de un breve período en Chile soplando fuego, asistió brevemente a la universidad de Yale durante los años 2001-2002, antes de irse para tocar música a tiempo completo con el grupo Wildbone. Trabajó con el escultor de luz Ray King en Filadelfia entre los años 2003 y 2005, realizando e instalando sus obras de arte público. Desde enero del año 2006 se centró principalmente en 16 toneladas: proyecto de demolición de la cárcel de Caseros en Buenos Aires, donde actualmente vive y trabaja.

Chih-Chien Wang
Una canción para Avellaneda, un proyecto de video Hay manchones de agua en las calles, aún cuando la última lluvia pasó hace semanas atrás. Me hace pensar: cuánto tiempo hará que el agua de lluvia está en la calle? desde el año 2001, desde el año 1991, o desde 1974? El tiempo pasa, si hay problemas en un sistema, será la gente aún capaz de reconocerlos, predecirlos, e impedir que sucedan? Por esta razón, decido crear este proyecto para elogiar al agua, lo esencial de la vida, y elogiar a la gente que convive con ella. El proyecto habla sobre cómo convivir con el medio ambiente con dignidad.

Chih-Chien Wang trabaja principalmente en fotografía y video, y comenzó a realizar instalaciones en el año 2007. El trabajo de Chih-Chien, concerniente en su mayor parte a su entorno personal y experiencia diaria, tiene también el sentido de la performance. Sus trabajos se expusieron en Canadá, Estados Unidos, Suiza, Italia y China. En este momento realiza una residencia en El Basilisco, en Buenos Aires, Argentina.

LimaFotoLibre en librería Comentarios


Desde el 18 de agosto pasado, hasta el 1 de setiembre, se viene presentando una exposición de LimaFotoLibre en Comentarios Librería & Arte.
Aquí el afiche.

jueves, agosto 23, 2007

Hoy: Raimond Chaves en La Culpable!!!


Finalmente!!
(porque tenía que llegar el día)

Raimond Puiqui Chaves se hará presente en el Espacio La Culpable, su casa, para transitar con nosotros a través de la gráfica ambulante y el diseño, la intervención callejera, la 'mezcla' músical, la edición casera de periódicos y revistas, y su preciso empleo del dibujo como un registro crítico de los insólitos itinerarios políticos y sociales de nuestra cotidianidad latinoamericana.

Debo reconocer que he estado muy a la espera de esta sesión. (hacer click en el afiche)

Con este portafolio cerramos por un rato las puertas del 'caluroso' ya que el regreso se viene con sorpresas varias.

Están todos cordialmente invitados, los esperamos!!!

miércoles, agosto 22, 2007

Algunas actividades en el Museo de Arte de Lima (ago.-set.)

CONVERSATORIO. ANNI Y JOSEF ALBERS. VIAJES POR LATINOAMÉRICA
"La abstracción en el arte precolombino"
Martes 28 de agosto
Modera: Ulla Holmquist
Hora: 7:00 p.m.
Lugar: Auditorio del MALI
INGRESO LIBRE

CONVERSATORIO. ANNI Y JOSEF ALBERS. VIAJES POR LATINOAMÉRICA
" La Bauhaus en el Perú: mito y realidad"
Martes 11 de setiembre
Conversatorio: La Bauhaus en el Perú: mito y realidad.
Modera: Arq. Wiley Ludeña.
Panelistas: Arq. Adolfo Córdova (prof. UNI), Arq. Oswaldo Núñez (prof. UNI), Arq. Andrés Carrillo (prof. de la especialidad de Diseño Industrial PUCP).
Hora: 7:00 p.m.
Lugar: Auditorio del Museo del MALI
INGRESO LIBRE

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VISITAS GUIADAS
MIRADAS DE FIN DE SIGLO IV: POPULAR/POP (VANGUARDIA, CONFLICTO & MODERNIDAD VISUAL)
Martes 21 de agosto, 25 de setiembre, 2 y 16 de octubre
No te pierdas las visitas guiadas gratuitas que el MALI ha programado a esta cuarta y última muestra de la serie Miradas de fin de siglo. Las visitas estarán a cargo de Rodrigo Quijano, curador de la exposición.
Hora: 6:30 p.m.
INGRESO LIBRE

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EDELNOR TE INVITA AL MALI
Sábados y domingos del 18 de agosto al 09 de setiembre
Presentando tu recibo de luz de Edelnor, tú y tus acompañantes entrarán gratis al MALI los fines de semana entre el 18 de agosto y el 09 de setiembre de 2007.
Habrá visitas guiadas a nuestras salas, entretenidos talleres en el patio y espectáculos en el Auditorio (funciones de Charles Chaplin y El Mago de Oz a cargo de la Escuela de Arte Dramático y conciertos de música bajo la dirección de Lazlo Benedeck).
Para no perdérselo.

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CONVOCATORIA
VIII CONCURSO INTERESCOLAR DE ARTE
Recepción de inscripciones: del lunes 24 de setiembre al martes 23 de octubre de 2007
El Museo de Arte de Lima, MALI, se complace en anunciar la convocatoria al VIII Concurso Interescolar de Arte. Este año, el tema central del concurso es "PERÚ: CULTURA Y MEDIO AMBIENTE. ¿ADÓNDE VAMOS?".
Los colegios interesados podrán inscribir alumnos que cursen entre 4to de primaria y 5to de secundaria en las disciplinas de danzas o bailes del Perú, artes musicales, artes vocales, artes escénicas y/o artes plásticas.
Ya se pueden descargar en nuestra página web las bases y fichas de inscripción.
Informes: educacion@museodearte.org.pe, 423-5149 anexo 217.

Detour, en la Universidad de los Andes (Bogotá)

Detour
Derivas y recorridos por Documenta 12, MDE07, Münster07 y la Bienal de Venecia


En un principio, el recorrido (tour) de una exposición se debía hacer de modo disciplinado, es decir, leyendo el guión expositivo tal y como lo proponía el museógrafo o el curador. Actualmente ni la exposición presenta un modo único de ser recorrida, ni se piensa que quien la recorre es un lector pasivo del texto curatorial.

El modo de recorrer una exposición es también un lugar de producción (detour), en la medida en que se generan apropiaciones y modos de relación que son específicos de un observador que reinterpreta, redefine y transforma las imágenes y símbolos que conforman la exposición como espacio de representación.

Detour presenta seis recorridos por exposiciones como Documenta 12, la Bienal de Venecia y Münster07, donde se ponen en relación prácticas curatoriales y constelaciones de obras, con curadurías y situaciones del contexto local como el Encuentro de Medellín, la privatización del espacio público (y otros que salen de las demás intervenciones)

En este sentido, la exposición es un espacio que se produce tanto desde el lugar que se concibe (museología, curaduría), como desde la imagen que se tiene de ella (qué representa, qué discurso la sustenta) y, claro está, la forma en que la recorremos críticamente (interpretación, traducción y relación con el contexto local)

¿Son necesarios estos macro eventos? ¿En qué consisten sus planteamientos curatoriales? ¿Qué tipo de correspondencias se pueden dar entre las obras? ¿Se producirá un detour hacia propuestas expositivas más apropiadas para lo que es la percepción de una serie abarcable de obras o de ideas?


Ciclo de conferencias:

Lunes 27 de agosto
El formato de las Grandes Exposiciones. Mariangela Méndez
Derivas por Documenta 12 y Munster07. Jaime Iregui

Lunes 3 de septiembre
Recorrido por la Bienal de Venecia. Mario Opazo
El turismo, el museo de arte contemporáneo y el circo. Carlos Salazar

Lunes 17 de septiembre
El Congreso. Lucas Ospina
A partir de MDE07. Bernardo Ortiz.



Inscripciones:
Asistir a este ciclo de conferencias no tiene costo, pero debido a que el cupo es limitado (40) debe inscribirse enviando su nombre y número de cédula al siguiente correo electrónico: areadeproyectos@uniandes.edu.co

Lugar:
Hemiciclo 101, Edificio Lleras. Universidad de los Andes.

Hora:
6:00 pm

martes, agosto 21, 2007

you tube/televisa vs. adry la fea y rebelde

Vía Esfera Pública llegó hace unos días un texto que señala la supresión de varios videos de Adry la fea y Rebelde, proyectos de Possible Worlds, de la web de youtube bajo una acusación de Televisa. El texto circulado por Esfera Pública venía firmado por el artista, escritor y activista mexicano Fran Ilich, quien recientemente acaba de estar participando con la revista sabOt en el Magazine Project de la Documenta 12. Copio íntegra la información.
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9 de agosto: recibimos una carta de youtube avisándonos que habían borrado el capítulo 4 de 'adry la fea' debido a que televisa alegaba'copyright infringement', en lo que era un claro atropello de nuestralibertad de expresión. la única razón que podemos encontrar es que aparece un chico contando una experiencia de trabajo que tuvo como parte del equipo de producción del programa 'otro rollo' de adal ramones, una vez que se presentó shakira. pero esto no creemos que sea de ninguna forma copyright infringement.

15 de agosto: recibimos 6 nuevas cartas de youtube donde nos indican que por la misma razón, han borrado los capítulos 1, 2, 3, 6 y 7 de 'rebelde' (una telenovela sobre colectivos urbanos de la otra campañazapatista, que lleva el mismo nombre que una de televisa, lo cuál para nosotros es sinónimo de que existen distintas formas de rebeldía). así como el final de la telenovela, que llevaba por nombre'fea y rebelde" the end (shakira live in mexico city part 2), en el que aparecía shakira en su concierto del zócalo de la ciudad de méxico, en lo que se suponía ser un concierto al aire libre en la plaza pública principal de la ciudad, y por lo que suponíamos podíamos grabar. dicho sea de paso, hay otros cientos clips de este mismo concierto de shakira que no han sido borrados de youtube.

16 de agosto: recibimos 2 nuevas cartas de youtube donde por la mismarazón nos avisan que borran los capítulos 4 y 5 de rebelde, con lo que la serie completa de esta pieza, desaparece por completo de internet, y en específico de youtube. el único que podemos imaginar es que televisa considere que la palabra 'rebelde' le pertenece y quenadie más puede trabajar proyectos audiovisuales bajo ese nombre.

17 de agosto: sin recibir aviso cancelan y borran completamente las cuentas de adry la fea y rebelde, por lo que desaparecen los 6 episodios restantes de adry la fea, dejando apenas 2 clips de la novela que publicamos en otra cuenta >http://youtube.com/ilichsabotage/

saludos y gracias por el apoyo.

Fran Ilich
http://possibleworlds.org/


-- clips borrados >
adry la fea (capítulo 4):
http://www.youtube.com/watch?v=e8zLJbmB9OI

rebelde (capítulo 1):
http://www.youtube.com/watch?v=6QaN2nh85PQ

rebelde (capítulo 2):
http://www.youtube.com/watch?v=Cc2gN_b0HA4

rebelde (capítulo 3):
http://www.youtube.com/watch?v=SY3rPOo8Oog

ebelde (capítulo 6):
http://www.youtube.com/watch?v=Lq5u_-fZuQc

rebelde (capítulo 7):
http://www.youtube.com/watch?v=Ab_47Oz44bc

fea y rebelde: the end (shakira live in mexico city part 2):
http://www.youtube.com/watch?v=0AznRtpoqPM

rebelde (capítulo 4):
http://www.youtube.com/watch?v=mjz4ucM8U2g

rebelde (capítulo 5):
http://www.youtube.com/watch?v=O1QFf4qjNWk

además de estos clips:
http://youtube.com/laotrafea/
http://youtube.com/otrarebelde/

Insula, en La Máquina


La Máquina tiene el agrado de invitarlo a la inauguración de la muestra Insula de la artista Daniela Ortiz de Zevallos en la sala "El cuarto del rescate" .

La muestra Insula es una instalación conformado por fotografía ,vídeo y registro de intervención urbana.

La ínsula es una estructura ubicada en el cerebro humano.
Tiene función en la experiencia subjetiva emocional y su representación en el cuerpo.
Empareja estados viscerales asociados con la experiencia emotiva dando cabida a los sentimientos de conciencia.

La ínsula juega un papel importante en la experiencia del dolor y de un gran número de emociones básicas incluyendo odio, miedo, felicidad y tristeza.

Se encarga de la integración de información, relacionando estados corporales y procesos emocionales.

Esta zona del cerebro se desactiva en los hombres durante el orgasmo.


Desde este Jueves 23 de Agosto a las 7:30 pm.

Hoy martes sale un nuevo grupo de 'Un techo para mi país' rumbo a Pisco

Como saben el 70% de la ciudad de Pisco ha quedado destruida, eso sin contar el gran número de casas que aún están en pie pero que han sufrido daños estructurales y que van a tener que ser demolidas. Lo cual nos deja un saldo tristemente aterrador. El grupo de 'Un techo para mi país' está organizando hoy martes una visita a Pisco para construir 100 casas en la ciudad para las personas que lo han perdido todo.
Hay dos maneras de ayudar, tanto económicamente para cubrir los costos de los materiales o como voluntario directo. Para ambas cosas comunicarse con el mail indicado. Por favor es importante que todos podamos colaborar, hay personas que literalmente no tienen nada que comer ni donde dormir hace muchos días.
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UN TECHO PARA MI PAIS:
El día martes están saliendo 1200 voluntarios hacia Pisco, con retorno el día domingo, se construirán 100 casas para los pobladores de la zona. Quienes tenga tiempo y estén interesados en ayudar, pueden escribir a: emergencia@untechoparamipais.org.pe

Les darán toda la información necesaria para ir preparados y capacitadospara esta construcción de emergencia. Pueden llevar ayuda adicional, agua, frazadas, ropa, alimentos, etc, etc. reenvien este correo,

gracias.

Centro Cultural de España suspende actividades


Estimados/as amigos y amigas:
Con la finalidad de garantizar las óptimas condiciones en las instalaciones del Centro Cultural de España tras el terremoto y sus réplicas, se realizarán las revisiones necesarias para comprobar si las estructuras están en las perfectas condiciones para su uso público. Hasta que no tengamos el informe favorable de Defensa Civil no reanudaremos nuestras actividades culturales. Cumplidos todos los requisitos de seguridad les estaremos informando de la reapertura del Centro y la reanudación de sus actividades.

En España amigos del CCE, han abierto un blog informativo, aquí les alcanzamos el link http://ayudaterremotoperu07.blogspot.com/

lunes, agosto 20, 2007

Aloardí en Festival ECOS 2007



DESDE PUERTO MALDONADO A FRANCIA
Del 20 al 24 de Agosto, el colectivo Aloardi, estará participando en el Festival ECOS 2007 organizado en Nantes - Francia por la Asociación APO33.

Transmisiones en vivo vía Internet desde la Selva de Puerto Maldonado. Se expondrá a través de entrevistas y amplificación de sonidos perceptibles y no perceptibles por los sentidos humanos, la mutua interferencia que ejercen entre sí ecosistemas naturales y artificiales.

Transmisión en vivo de paisajes sonoros ubicados en los limites entre los puntos de aglomeración humana (carreteras, ciudades rurales, puertos, etc) y ecosistemas "naturales" que ya muestran vestigios de cambio. También se transmitirá realidades sonoras a las que no tenemos común acceso, como puntos de aglomeración de naturaleza salvaje en los bosques, ríos y lagos (esto se hará través de micrófonos ambientales e hidrófonos) y se hará audible el electro magnetismo generado por la inserción de electricidad en la zona.

Las transmisiones estarán en formato "ogg", y pueden escucharse poniendo en el reproductor de la computadora el siguiente URL: http://giss.tv:8000/aloardi.ogg. Para escucharlas de la manera mas óptima se recomienda utilizar el reproductor Winamp5 FULL 5.35 (compatible con Windows), puede descargarse gratis en la siguiente dirección http://winamp-5.softonic.com/ o usar el reproductor VLC (compatible con Linux/Mac/Windows), puede descargarse gratis en http://www.videolan.org/vlc/

VER PROGRAMACIÓN

Lugares para donar sangre, ropa y dinero

Han sido días muy difíciles para la parte sur del país que ha sufrido graves daños producto del terremoto, y que aún sigue en alarma por los sismos y réplicas que hasta hoy continuan. Casi todas las municipalidades han armado centros de acopio en sus plazas y parques principales, y continúa siendo el Estadio Nacional el lugar central de recepción de víveres, frazadas, ropa, comida no perecible, agua y carpas. Aquí copio información tomada del diario El Comercio sobre lugares donde realizar donaciones. Se necesita toda la ayuda posible.

DONACIONES

Para donar sangre acuda a:
- Ministerio de Salud: Avenida Salaverry cuadra 8
- También puede hacerlo en los bancos de sangre de todos los hospitales del Ministerio de Salud (Dos de mayo, Loayza, etc.), Seguro Social de Salud
- Essalud (Rebagliati, Almenara, Sabogal, etc.), Fuerzas Armadas, Policía Nacional y Hospital de la Solidaridad.

Para donar víveres y ropa:
- Explanada norte del Estadio Nacional, en Santa Beatriz
- Grupo Aéreo Nº 8 de Lima, en el Callao
- Las parroquias del Perú recibirán, junto a Caritas del Perú, ropa, enseres y alimentos en todas sus sedes
- Municipalidad de San Borja: Avenida Joaquín Madrid, cuadra 2
- Circuito del Pentagonito: Avenida San Borja Norte con Boulevard
- Centro Comercial Ebony: Avenida San Borja Sur con Parque Sur, cuadra 1
- Supermercado Plaza Vea del Centro Comercial San Borja
- Para mayor información, se puede llamar al teléfono 612-5555 anexos 358, 312 y 236
- La Municipalidad de Jesús María ha instalado tres carpas de campaña en la cuadra nueve de la avenida San Felipe, para junto a los vecinos, empresarios y comerciantes del distrito, ayudar a recolectar víveres, alimentos no perecibles, medicinas y bidones de agua
- En Estados Unidos, está canalizando las donaciones y la ayuda. Los teléfonos son: (001) 202-462-1081 / 202-462-1084 y 462-1085. Además, las colectas que se harán en las misas del domingo de la Iglesia St. Matthew, de Washington DC., se destinarán íntegramente al Perú.

Para donar dinero:
- Las siguientes entidades bancarias han abierto cuentas para el depósito de donaciones:
Banco de Crédito: 193-19999998-0-15 (soles) y 193-19999999-1-16 (dólares).
BBVA Banco Continental: 0011-0444-4444444444 (soles), 0011-0444-4444444446 (dólares), 0011-0444-4444444447 (euros).
Scotiabank: 0005074657 (soles), 0003022500 (dólares).
Interbank: 200-0000001119 (soles), 200-0000001118 (dólares).

- En Estados Unidos, pueden hacer sus donativos a las cuentas abiertas por Interbank (Dólares: 200-0000001118 / Soles: 200-0000001119) a través de las siguientes agencias de envío de dinero: Xoom, Bancomercio, Uno, Dolex, BTS, Viamericas, Ria, Transfast, Pronto Envíos, Vigo, Bob Travel, Girosol, MFIC, Intertransfers y Mateo Express. Interbank informa que estas agencias no cobrarán comisión alguna por los envíos. Para mayor información, llamar gratuitamente al 1-866-352-7378.
- En México, el BBVA Banco Continental ha abierto la siguiente cuenta bancaria para donaciones: Cuenta APOYAME-3(042769263-3) / Fundación BBVA Bancomer a.c.
- En Colombia, el BBVA Banco Continental ha abierto la siguiente cuenta bancaria: Cuenta de ahorros No. 073 213 969 / BBVA Colombia.
- En España, el Centro Peruano en Barcelona ha abierto la siguiente cuenta del banco La Caixa (Barcelona): 2100-0479-21-0200048852. Cualquier información, escribir al correo electrónico centroperuanobcn@gmail.com o llamar a los teléfonos 93 265 07 20, 678 66 89 34 y 608 59 3656.
- En Canadá, Defensa Civil informa que también se puede depositar dinero en la cuenta del Consulado General del Perú en Toronto, Sismo Perú 2007 Account, # 06702 113 - 4329 del Royal Bank of Canada (RBC).
- En todo el mundo: La sede española de Cáritas ha habilitado en su página web un espacio para hacer donativos en línea. Visite este sitio para hacer su aporte y, si lo desea, obtenga antes más información.
- El Congreso de la República está recibiendo las donaciones que destinará a la asistencia de las víctimas a través de la cuenta corriente en soles del Banco de Crédito Nº 193-1622366-0-34.
- La Iglesia Católica realizará en todas sus parroquias a nivel nacional colectas los domingos 19 y 26 de este mes.

jueves, agosto 16, 2007

Terremoto: La ayuda se acopia en el Estadio Nacional

Como saben hace varias horas hubo terremoto de 7.9 grados en Perú. Las réplicas aún contínuan así que conviene estar alerta. Aquí una noticia importante para todos aquellos que puedan ayudar. Hay miles de casas totalmente destruidas en Ica, Cañete, Pisco, Chincha y en otras regiones del país así que por favor la colaboración de todos en materiales, víveres y sangre es sumamente importante.
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La ayuda para los damnificados se acopiará en el Estadio Nacional
Así lo afirmó el presidente de la República. También se puede entregar donaciones en el Grupo Aéreo N8

Desde el Centro de Comando de la Base Aérea de Pisco, el presidente de la República, Alan García, indicó hoy que la explanada norte del Estadio Nacional será el punto donde se recibirá toda la ayuda para enviar a los damnificados del sismo en el sur del país.

El mandatario invocó a los limeños a colaborar con los hermanos afectados y manifestó su rechazo a todas aquellas personas que se hayan querido aprovechar de esta situación, específicamente con el incremento de los pasajes a las zonas afectadas.

Por su parte, la ministra de Trabajo y Promoción Social del Empleo, Susana Pinilla, exhortó hoy a la población que las donaciones para los damnificados por el fuerte sismo de 7.9 grados en escala de Richter para Ica, Pisco, Chincha y otras localidades las hagan llegar al grupo aéreo Nº 8 de Lima.

Manifestó que el transporte aéreo para el traslado de la ayuda está asegurado e informó que en la madrugada de hoy partieron dos vuelos hacia el sur, y un tercero está por partir en la cual viajará llevando ayuda para las víctimas del terremoto.

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El INEN inicia campaña de donación de sangre para las víctimas del terremoto
Los donantes recibirán los resultados de las pruebas de tamizaje de enfermedades como la hepatitis B y C

El Banco de Sangre del Instituto Nacional de Enfermedades Neoplásicas (INEN) ha iniciado una campaña de donación de sangre a favor de los miles de afectados por el terremoto que asoló el país la noche de ayer.

De esta manera, los interesados podrán colaborar a las labores médicas-asistenciales que el Ministerio de Salud ha dispuesto en la zona de emergencia de Pisco, Ica y Chincha, ya que varias personas heridas deben ser sometidas a cirugías y transfusiones de sangre.

Hasta el momento ya se han enviado 15 unidades de sangre tipo O positivo, 35 unidades de plasma y dos recipientes especiales su transporte, según informó el doctor Luis Argumanis Sánchez, jefe del Banco de Sangre del INEN.

A través de un comunicado, los médicos del Instituto de Neoplásicas, quienes atenderán durante las 24 horas, hicieron un llamado a la población de Surquillo, San Borja, San Luis y otros distritos aledaños para que se acerquen a realizar sus donaciones.

Para ello se han instalado una carpa en el patio externo del local ubicado en la avenida Angamos Este 2520, Surquillo. Los donantes recibirán los resultados de las pruebas de tamizaje para diversos males como la hepatitis B y C.

Hay que recordar que para donar sangre solo se requiere tener entre 18 y 55 años de edad, un peso mayor a 55 kilos, no haber tenido ninguna enfermedad venérea o hepatitis y tampoco haber ingerido medicamentos.

miércoles, agosto 15, 2007

Jueves 16 de agosto: 'Cherman' conversando con La Culpable


Mañana Cherman en La Culpable a las 8:00p.m.!! (hacer click en la imagen)

La desaparición de la crítica

Hace pocos días Esfera Pública colgó esta entrevista con Miren Eraso de la revista Zehar, en una serie de entregas (entrevistas, artículos, informes) que Jaime Iregui anuncia alrededor del Magazine Project y la participación de Esfera Pública en la DOCUMENTA 12.

La participación pasada de Zehar abordaba el tema ESCUELA ABIERTA, que pueden ver aquí.

Las reflexiones de Miren Eraso alrededor de la desaparición de la crítica son sumamente pertinentes y más aún en un contexto como el nuestro, carente de plataforma alguna de discusión crítica. Pero ¿qué tipo de crítica queremos? ¿Sentimos acaso su carencia? Porque así como Eraso señala las limitaciones y problemas de la crítica o crónica en medios de prensa, creo también importante pensar esta figura tan complicada que ha venido a asumir el curador de arte contemporáneo, el cual muchas veces reduce su acción a la escritura de pequeños textos de presentación para artistas en galerías (o para plotter en pared). Lo cual podría equivaler también -aunque en términos más toscos- a armarle el dossier al artista o trabajar al servicio del mercado del arte.

¿Pero se puede pensar acaso el trabajo curatorial desligado del discurso crítico? ¿No se corre acaso el riesgo de reducir o banalizar la práctica curatorial como una mera labor 'de servicio'? El campo de la curaduría es tal vez uno de los lugares de disputa más delicados que tiene la posibilidad de existencia de la propia crítica de arte en la actualidad.

martes, agosto 14, 2007

Hoy, conferencia de Longoni sobre experimentalismo y vanguardia


Hoy se continúa con el ciclo Conceptualismos del Sur: Perú, Argentina y Chile (1960-1980) y estaré acompañando a la historiadora argentina Ana Longoni quien dará una videoconferencia sobre 'Happening y arte de los medios en los orígenes del conceptualismo argentino', y que planteará también un recorrido por el experimentalismo y la vanguardia argentina desde inicios de los 60's (Alberto Greco, Jorge de la Vega, 'Arte destructivo') hasta un momento de crisis y ruptura con la institución artística como Tucumán Arde en 1968.
La cita es en el Centro Fundación Telefónica a las 7:00 p.m.

[registro fotográfico de Tucumán Arde, 1968]

Godard, en el Centro Cultural de España


Bajo la curaduría de Armando Williams e Ivana Ferrer se inauguró la semana pasada la exposición Godard en las Salas del Centro Cultural de España de Lima. Además se ha preparado un estupiendo ciclo de cine de Jean-Luc Godard para la ocasión y una serie de conversatorios.

Parábolas, en la galería Pancho Fierro



NOTA DE PRENSA

PARÁ
BOLAS

Insólita primera exposición de NAGUIB CIURLIZZA
en la GALERÍA PANCHO FIERRO

Inauguración: miércoles 15 de agosto de 2007, 7:30 p.m.



Una ocasión insólita, una exposición excéntrica. En el contexto del Mes Internacional del Niño, este miércoles 15 de agosto, a las 7:30 de la noche, Naguib Ciurlizza inaugura su primera muestra individual en la Galería Pancho Fierro de la Municipalidad Metropolitana de Lima. Bajo el título de Parábolas y con la curaduría de Gustavo Buntinx, este juvenil artista de 53 años despliega casi igual número de cuadros en la secuencia de un cuento de "duendángeles" y demonios para configurar una poderosa fábula moral de graves connotaciones filosóficas.

La inquietud ecológica deriva en un festín casi lúdico de colores y formas libérrimas, yuxtaponiendo textos desorbitados e imágenes desconcertantes. El resultado es de una intensidad paradójica: " Tras las apariencias convencionales de una composición adulta para niños", observa Buntinx, "asoma el poderoso reproche infantil al Gran Desorden de los mayores. Lo auténtico de la voz pueril así surgida responde no a una pública impostación retórica sino a la intimidad de una regresión profunda. Y crítica: hasta en la excentricidad de sus formas discursivas, en el desparpajo de su rudeza genuina, emerge entre estos versos y lienzos, casi terapéuticamente, el sorprendente yo expresivo de un párvulo. Como en un rescate terminal de identidades primeras, de fantasías primarias, acosadas por la atea injusticia de nuestros desangelados tiempos."

La Galería Pancho Fierro se encuentra ubicada en el número 114 del Pasaje Santa Rosa, Centro Histórico de Lima, a pocos pasos de la Plaza Mayor y a un costado del Palacio Municipal. La exposición permanecerá abierta tres semanas. El ingreso es libre.


Ingreso libre
Del 15 al 2 de setiembre
De miércoles a domingo, 10:00 am a 8:00 pm,
Lunes y martes de 10:00 am a 1:00 pm / 2:00 pm a 6:00 pm





LA (IN)CONDICIÓN HUMANA

Gustavo Buntinx


La Tierra muere. El Mal existe. Cierto dios creador destruye su creación ya destruida por seres demasiado humanos. Toda una dramática visión moral de la Naturaleza, del Cosmos mismo, fluye desde los colores festivos y las libérrimas formas lúdicamente desparramadas sobre los cuadros de Naguib Ciurlizza. Paradojas plásticas tensionadas por las parábolas textuales de la narrativa poética que acompaña al orden secuencial de sus cuadros con un ritmo anárquico y una rima incierta.

Lenguas descontenidas, léxicos desbordados de toda convención por el doble registro de sus códigos. Tras las apariencias convencionales de una composición adulta para niños asoma el poderoso reproche infantil al Gran Desorden de los mayores. Lo auténtico de la voz pueril así surgida responde no a una pública impostación retórica sino a la intimidad de una regresión profunda. Y crítica: hasta en la excentricidad de sus formas discursivas, en el desparpajo de su rudeza genuina, emerge en estos versos y lienzos, casi terapéuticamente, el sorprendente yo expresivo de un párvulo. Como en un rescate terminal de identidades primeras, de fantasías primarias, acosadas por la atea injusticia de nuestros desangelados tiempos.

Primeras, primarias, primordiales: es un drama genésico y apocalíptico al mismo tiempo el que palabras y pinceladas encarnan en su despliegue agónico, rozando y rebasando las sugerencias amables del arte naif o las ásperas incitaciones del Art Brut. Pero agonía no es muerte sino lucha a muerte con la muerte misma. De allí la evocación espiritual de los sentidos (“qué placeres le excitan el alma”, reza uno de los versos más indicativos). De allí también la permutación sensorial, la sinestesia, el promiscuo goce –moral y hedónico– de los sabores, los olores, los colores. Más allá del tiempo, más acá de la historia (“momentos y sentires / que reflejan ausencia / de mundos exteriores”), en un viaje circular de retorno a lo que antecede incluso a la semilla: de la Nada a la Nada, “el cosmos puro, la armonía eterna, nervio del supremo Creador”.

No es difícil escuchar aquí ecos románticos de las teorías de James Lovelock en su identificación contemporánea de Gaia, la madre tierra de los griegos, como la articulación planetaria de toda vida en un sistema orgánico que comprende incluso lo inanimado. El equilibrio homeostático que esa visión implica podría verse replicado –no ilustrado– en la particular morfología de estos cuadros: la alianza y lucha de colores ígneos y cerúleos, los desconcertantes logros de composiciones plásticas donde una extraña sensación de equilibrio surge del desequilibrio y de la disonancia.

Recursos pictóricamente visibles en aquel levitante "Comedor del Cielo", por ejemplo. Y conceptualmente potenciados por telas tan precisas como "Definiciones", ese pequeño gran teatro para la Caída y el Ascenso de cuerpos que oscilan entre figuras demoníacas o celestiales, intensificadas por el recorte audaz que prolonga sus fisonomías hacia el imaginario más denso.

Hacia el infinito más grave. Tras la inocencia aparente y la diversión evidente de estos cuadros, asoma la pregunta radical, la pregunta terminal de la filosofía. Aquélla que cuestiona no ya tan sólo el sentido de la existencia personal, sino sobre todo la propia necesidad de nuestra especie misma, asesina de la Vida que le da vida.

No hay en las parábolas de Ciurlizza un lamento ingenuo por lo supuestamente inhumano sino la confrontación sin complacencias de nuestra naturaleza indigna. La (in)condición humana.

Y su redención artística.


[imagen 1: Naguib Ciurlizza, Comedor del cielo / imagen 2: Naguib Ciurlizza, Definiciones]

domingo, agosto 12, 2007

El arte de un México insurgente. Entrevista a Cuauhtémoc Medina

En el diario El Comercio se publica hoy una entrevista con el crítico de arte y curador Cuauhtémoc Medina, quien va a dictar una conferencia mañana en el Museo de Arte de Lima sobre la exposición La era de la discrepancia. Arte y Cultura Visual en México. 1968-1997. Copio íntegra la nota que también se puede ver en pdf aquí.
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ENTREVISTA Cuauhtémoc Medina
El arte de un México insurgente

Por Enrique Planas

UNO DE LOS CRÍTICOS DE ARTE MÁS PRESTIGIOSOS DE MÉXICO PARTICIPA EN EL PROGRAMA DEL MALI CONTEMPORÁNEO EN EL AUDITORIO DEL MUSEO DE ARTE, DISERTARÁ SOBRE LA COMPLEJA EVOLUCIÓN DE LAS ARTES VISUALES DEL PAÍS AZTECA

"A todo el mundo le queda claro que en el Perú está ocurriendo un cierto despegue. No solamente a nivel de la producción de los artistas locales (que ya es algo importante), sino también desde el punto de vista institucional. Visto lo que el MALI está haciendo creo que vale la pena tener con ellos una interacción". Así de optimista habla el influyente crítico mexicano Cuauhtémoc Medina, quien está de visita en nuestra capital para cumplir una apretada agenda: reunirse con artistas peruanos, visitar talleres y galerías, así como prestar su apoyo a la definición del programa del MALI Contemporáneo. Justamente, como parte del programa de seminarios del proyecto del museo, mañana el crítico ofrecerá una conferencia sobre la más reciente de sus curadurías. La muestra "La era de la discrepancia. Arte y Cultura en México 1968-1997", ideada con Olivier Debroise para el Museo Universitario de Ciencias y Arte en México, inaugurada en marzo de 2007.

¿Cómo debemos entender el concepto de 'discrepancia' en el título de su última exposición?
El título de la exposición alude a una declaración muy específica. En 1969, un año después del movimiento estudiantil mexicano y la matanza de Tlatelolco, el rector de la UNAM, Javier Barros Sierra, que había sido una voz discordante extraordinaria en el conflicto, que había defendido la autonomía frente a la brutalidad de las fuerzas públicas y había tratado de hacer entender las demandas de los estudiantes, hizo un discurso en el que decía que a la universidad la habían atacado por discrepar. Pero que la función de una casa de estudios era, precisamente, sentar el lugar para la discusión y la discrepancia. De hecho, cerró su discurso con la frase "¡Viva la discrepancia!". Esto, en el contexto del antiguo régimen mexicano, trazaba en una sola frase un proyecto hipotético de República en el que el interés público comprendiera la existencia de la diferencia y la disidencia. Nos pareció importante tomar esta frase para referirnos a la posibilidad de mirar hacia la cultura como un territorio de opciones, no solo contradictorias sino discrepantes, en el que los datos de una lectura no concuerdan. La exposición estaba hecha en base a una serie de cortes epistemológicos. No es una narrativa de la historia del arte mexicano, sino nueve formas de prácticas culturales y artísticas que nos parecen coherentes internamente, pero que no coinciden entre sí. Más bien están en una relación de oposición o polémica.

¿El año 1968, el tiempo de las revueltas estudiantiles en México, cómo se plasma en el arte contemporáneo mexicano?
Después del año 68 hubo un desencuentro entre la cultura artística contemporánea y diversos segmentos de la sociedad en México. El Estado dejó de coleccionar arte contemporáneo, lo que provocó a la larga la inexistencia de un punto de referencia sobre la producción reciente en el público. Esto a su vez vino acompañado por una falta de interés intelectual, había dejado de haber coleccionismo y también se dio una amnesia pública. Nos parecía decisivo generar un primer corte para ver que era rescatable en esa fase, y provocar una determinada agitación.

¿Pero esa situación de orfandad frente al Estado no les dio, quizás, más libertad de acción a los artistas?
El 68 lo que implicó fue la oclusión de un espacio de apertura. Provocó que los artistas jóvenes rompieran sus lazos con la institución artística pública, se generó un circuito muy amplio de artistas que decidieron no exhibir más en las instituciones oficiales y formaron el Salón Independiente y a partir de eso hay una paradoja de muchos artistas que exhiben en instituciones públicas, pero que no se genera ni un canon ni una memoria en forma de exposiciones ni un proceso de reflexión madura. El Estado mexicano es extremadamente complejo, sagaz y sofisticado en su brutalidad, y sucedió que la temática obsesiva fue aquella de la ruptura con el muralismo. Se oficializó, se volvió parte de la narrativa cultural nacional y se volvió una traba. Había una paradoja en donde las exposiciones oficiales siguieron estancadas, en que el modelo de exhibición de absurda continuidad nacional desde los Olmecas hasta Frida Kahlo, que había hecho el museógrafo Fernando Gamboa, siguió siendo el modelo de exportación de la cultura mexicana hasta mediados de los años 90. Y, al mismo tiempo, los rupturistas permanecieron como si fueran "la versión" del arte contemporáneo, algo tan absurdo como si Szyszlo fuera visto como un artista contemporáneo.

¿Ahora que estamos saturados de información sobre el centenario de Frida Kahlo, crees que su obra participa hoy en el debate del arte contemporáneo mexicano?
No más allá de las críticas burlonas que el sector tiene respecto al culto equívoco que se formó en torno a Frida, y al hecho de que Salma Hayek haga la película y el Instituto de Bellas Artes llene las exposiciones. Efectivamente, hay un problema de falsa representación de lo artístico en los medios de comunicación, que dificulta la correa de transmisión de la sociedad contemporánea con la cultura contemporánea. Pero ese es un fenómeno central en la cultura occidental. No es un problema nuevo. Lo que sí, la función de la institución pública debiera ser batallar contra esta limitación de perspectivas. Es entendible que haya una disparidad entre lo que es cultura plenamente asimilada y la cultura del arte contemporáneo, pero esta es una relación que puede ser fluida, en la que hay momentos del arte contemporáneo que saltan a los medios y que reformulan la discusión, que el debate intelectual alcanza cierta visibilidad.

LA CONFERENCIA
"La era de la discrepancia. Arte y Cultura en México 1968-1997"
Día y hora: lunes 13 de agosto, 7:30 p.m.
Lugar: Auditorio del Museo de Arte de Lima.
Paseo Colón 125, Lima.
Ingreso libre.

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PERFIL
NOMBRE: Cuauhtémoc Medina (México, D.F., 1965)
TRAYECTORIA: Cuauhtémoc Medina es uno de los más influyentes críticos y curadores de México. Es investigador asociado del Instituto de Investigaciones Estéticas de la Universidad Nacional Autónoma de México y Curador Asociado de Colecciones de Arte Latinoamericano de la Tate Gallery del Reino Unido. También es miembro de Teratoma A. C., un grupo independiente de críticos, curadores y antropólogos. Ha sido curador de arte contemporáneo del Museo Carrillo Gil (Mexico D.F. 1989 - 1992), e integró el equipo de Curare, espacio crítico para las artes (1992-1998). En 1999 curó la sección mexicana de la exhibición "Cinco Continentes y una Ciudad".
ESTUDIOS: Licenciado en historia por la Universidad Nacional Autónoma de México y Doctor en Historia y Teoría del Arte por la Universidad de Essex, en Inglaterra (2003). Su tesis doctoral estuvo dedicada a George Maciunas, fundador del grupo Fluxus.
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[imagen: el curador mexicano Cuauhtémoc Medina frente a una obra de Raimond Chaves de la reciente Popular/Pop en el Museo de Arte de Lima.
fotografía de Félix Ingaruca tomada de El Comercio]

sábado, agosto 11, 2007

La historia al margen de la historia

“¿Cómo se escribe la historia de lo que fue mantenido al margen de la historia? ¿Cómo entender el desvanecimiento de un momento cultural y las posibilidades que abre su rescate público?” se preguntan Olivier Debroise y Cuauhtémoc Medina en el ensayo que abre el extenso y voluminoso catálogo de 473 páginas de la exposición La era de la discrepancia. Arte y Cultura Visual en México. 1968-1997. La muestra, co-curada también por Pilar García de Germenos y Álvaro Vásquez Mantencón, plantea así una reconfiguración de las coordenadas del arte crítico mexicano de las cuatro últimas décadas. Y aunque si bien se detienen en el año de 1997 el análisis les alcanza para observar las últimas transformaciones del arte y su discusión en la esfera pública (La panadería, Curare, etc.) como una posibilidad de repensar las transiciones del presente.

La pregunta resulta clave: ¿Cómo se escribe la historia de lo que fue mantenido al margen de la historia? Así, la historia aparece como la construcción arbitraria de enunciados que es para luego verse interpelada con el acto mismo de relectura, permitiendo el posicionamiento de nuevas trazas visuales antes invisibles. Pero ¿cómo inscribir estos procedimientos de experimentación y apuestas artísticas disidentes sin comprometer su sentido? ¿Cómo mantenerlas unidas a la conflictividad social que les dio origen? ¿Cómo penetrar en cada uno de estos vestigios para poder dar visibilidad a los trances tan propios de una época? Pero incluso antes de ello: ¿Por qué y para qué propiciar este rescate?

La estrategia curatorial entonces asume de modo acertado dos formas de operatividad simbólica en el campo del arte: el trabajo de reconstrucción, restitución y reposicionamiento físico de un conjunto de obras deliberada o involuntariamente olvidadas, junto con otras que marcan claramente su orientación disidente y ofensiva frente a formatos, representaciones, tradiciones y discursos. Y en un segundo lugar, y quizás más significativo aún, el resane paulatino del tejido historiográfico, es decir, la recuperación y puesta en circulación de una serie de imágenes, gráfica, borradores, textos y escritos en prensa (de la época) en la publicación. Este resane no se encuentra inscrito únicamente en la recuperación misma sino en la oportunidad que la publicación permite de generar nuevos discursos alrededor de ellas.


Un trabajo que el crítico chileno Justo Pastor Mellado no dudaría en llamar ‘curaduría productora de infraestructura’ por su potencialidad de generar herramientas de lectura e hitos interpretativos para segmentos de producción habitualmente invisibles, o allí donde el trabajo de historia era inexistente. De este modo el libro, editado por Olivier Debroise y con ensayos de más de una decena de investigadores, se convierte también en una adecuada plataforma para impulsar futuras voces discrepantes.

“Estamos plenamente conscientes que este relato dejado de lado, trata demasiado someramente e incluso aborda tendenciosamente, una multitud de episodios, obras de artistas y sectores culturales enteros. Queremos creer que la mayor parte de esas omisiones o sesgos no son fallas o derivan de la ignorancia, sino que simple y llanamente implican un juicio. Nos cuenta tanto trabajo entender a quien piensa que solo hay una verdad, como el que cree que todas las proposiciones tienen un valor equivalente. En efecto, no todo nos da lo mismo: esta muestra responde a la persuasión de que la intervención y el deseo suelen expresarse de modo exaltado y contradictorio, bajo propuestas incompatibles, extremistas y emocionantes, y no en la asepsia del término medio. En ese sentido, este proyecto se fue haciendo de principio a fin, gracias a un entusiasmo crítico. A nadie debe sorprender que nuestro punto de vista sea, como recomendaba Baudelaire, eminentemente 'exclusivo' pues sólo así se 'abren horizontes', y que nuestra visión del pasado se entienda como 'crítica' sólo en la medida en que es 'apasionada, parcial y política'".

Articulado en nueve secciones (Salón Independiente; Mundo Pánico; Sistemas; Márgenes Conceptuales; Estrategias Urbanas; Insurgencias; La identidad como utopía; La expulsión del paraíso; e Intemperie) el recorrido que plantea parece tener también puesto los ojos en los modos en que se ha recibido el arte mexicano actual en el contexto internacional, aquellas genealogías invisibles a las cuales responde –en el ensayo introductorio Medina y Debroise plantean un ejemplo claro de distorsión histórica en un ensayo de B. Buchloh sobre Gabriel Orozco-. Así, esta recomposición de escena intenta también interpelar la mirada exterior posada sobre el arte mexicano desde su internacionalización. Por ello muchas de las estrategias visuales recuperadas mantienen estrecha relación con las prácticas críticas más recientes, desde las instalaciones hasta el arte conceptual, evidenciando su clara voluntad de trastocar e interferir los referentes habituales de narrativas, obras y artistas.


La posición de los curadores es clara y por ello tanto más –o necesariamente- discutible. La reivindicación de la actitud discordante frente al arte, el cuestionamiento de sus soportes, de sus funciones asignadas, de sus lecturas y alcances, pone en evidencia también la voluntad de construir una historia otra del arte mexicano.

Traigo a colación estos primeros comentarios sobre el catálogo –primeros, efectivamente, ya que exige un análisis minucioso de cada una de sus secciones- dado que el curador y crítico mexicano Cuauhtémoc Medina se encuentra actualmente en Lima y dará una conferencia sobre la exhibición este lunes en el Museo de Arte de Lima. Pero además porque me parece que está publicación –ojo, hablo del libro y no de la exposición que aún no he visto- marca uno de mejores ejemplos recientes de apuesta histórica y recuperación de la memoria en América Latina.

La exposición termina el próximo mes de setiembre y se está organizando además un Simposio en la UNAM que permitirá ahondar en los procesos últimos de rescate del arte crítico titulado Recargando lo contemporáneo. Estrategias curatoriales de rescate del arte reciente. En este evento se pondrán en discusión y contraste otros proyectos curatoriales de recuperación histórica como Global Conceptualism. Points of Origin. 1950-1980s (Rachel Weiss, Chicago); Orígenes del arte conceptual en Colombia (Alvaro Barrios), Polish Socialist Conceptualism of the 70s (Lukasz Ronduda), Instituto Di Tella Experiencias ’68 (Patricia Rizzo, Argentina), y con la presencia también de invitados como Christoph Grunenberg, director de la Tate Liverpool; la teórica brasiela Suely Rolnik -quien tiene un extenso estudio sobre la obra de Lygia Clark-; Connie Butler quien acaba de curar una exposición titulada Wack! Art and the Feminist Revolution en el MOCA de Los Angeles; entre otros investigadores. Ya anunciaré luego el programa completo.

Adjunto la nota de prensa enviada por el Museo de Arte de Lima sobre la conferencia del lunes.
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En el marco del Proyecto MALI Contemporáneo
CRÍTICO MEXICANO
CUAUHTÉMOC MEDINA VISITA LIMA


Curador asociado de Arte Latinoamericano de la
Tate Gallery del Reino Unido dictará conferencia en el Museo de Arte de Lima

Con el apoyo de la Embajada de México y la Secretaría de Relaciones Exteriores de México, el lunes 13 de agosto a las 7:30 p.m. se presentará en el auditorio del Museo de Arte de Lima (MALI) una conferencia a cargo de Cuauhtémoc Medina, influyente crítico y curador mexicano que ha tenido una trayectoria internacional destacada. En el año 2002, como curador de México en la tercera (y última) Bienal Internacional de Lima, Medina produjo con Francis Alÿs la obra Cuando la fe mueve montañas, considerado un hito en el escenario de las artes plásticas peruanas. En esta visita a Lima, a donde llega en el marco del programa de seminarios del proyecto MALI Contemporáneo, además de dictar la mencionada conferencia, se reunirá con un grupo de artistas peruanos en un seminario en el MALI, visitará talleres y galerías, y prestará su apoyo a la definición del programa del MALI Contemporáneo.

La conferencia estará dedicada a la gran exposición "
La era de la discrepancia. Arte y Cultura en Mexico 1968-1997” que curó con Olivier Debroise para el Museo Universitario de Ciencias y Arte (MUCA) en México y que fue inaugurada en marzo de 2007.


Fecha: lunes 13 de agosto de 2007
Hora: 7:30 p.m.
Lugar: Auditorio del Museo de Arte de Lima (MALI).
Paseo Colón 125, Lima 1 (acceso por el Parque de la Exposición).
Informes: 423-4732
INGRESO LIBRE

Para mayores referencias véase la página web del artista
http://geocities.com/cmedin y/o la nota de prensa adjunta.

Agradecemos su difusión.

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[imagen 1: carátula del catálogo La era de la discrepancia / imagen 2: NO GRUPO (Maris Bustamante, Melquíades Herrera, Alfredo Núñez y Rubén Valencia. Activo entre 1977 y 1983) Montaje de momentos plásticos, 1981, Carteles diseñados por el No Grupo, impresos en México, D. F., para el Primer Coloquio de Arte No Objetual, Medellín, Colombia, 1982, Impresión en offset; 57 x 87 c/u, Colección Maris Bustamante / imagen 3: ULISES CARRIÓN (1941-1989). Death of an Art Dealer / La muerte del Art Dealer, 1982, International Media Meeting y Agora Foundation Productions, Maastrich, Transferencia a video digital del cortometraje en 16 milímetros; 19 min. 57 seg. en loop. © Netherlands Media Art Institute Montevideo/Time Based Arts / Las últimas dos imágenes han sido tomadas de la web de la exposición. © La era de la Discrepancia, UNAM, 2007 / Las citas han sido tomadas del primer ensayo del libro "Genealogía de una exposición" de Debroise y Medina]

viernes, agosto 10, 2007

Homenaje a María Teresa Hincapié en Bogotá

En días pasados se llevó a cabo en Bogotá un homenaje a quien es sin duda la más importante artista de performance colombiana, María Teresa Hincapié,(Armenia, Quindío 1956), quién anda atravesando un delicado momento de salud.

Hincapié que se formó en el ambito teatral, a partir de los años ochenta fue desplazando su actividad hacia las artes plásticas con una serie de acciones en las que un severo control corporal y un casi exasperante manejo del tiempo le permitían enunciar ásperos a la par que poéticos alegatos que hilaban cuestiones de género, vida cotidiana y violencia. Un trabajo valiente y necesario que visto con la perspectiva que da el tiempo permite releer la persistente y dramática circunstancia colombiana desde la resistencia y la obstinación por la vida invitando a dejar de lado la desesperanza y el desánimo. Un trabajo optimista por lo terco y vehemente.

No se lo conocida que pueda ser su trayectoria en el Perú pero me parece esta una buena ocasión para presentar algunos textos e imágenes que se encuentran en la red que contextualizan y aportan claves sobre su trabajo. Y aprovecho para desearle a María Teresa con quién he tenido el placer de compartir exposiciones toda la salud y toda la alegría.

Los espacios y las cosas. El mundo interior de María Teresa Hincapié
por Jose Roca en Columna de Arena 23, abril de 2002.

27ª Bienal de Sao Paulo

María Teresa Hincapié
por José Hernán Aguilar en la Biblioteca Virtual Luis Ángel Arango del Banco de la República de Bogotá.

Vitrina, Performance, 1992.
Foto: Óscar Monsalve